아이러브캐릭터 - 예원예술대학교 차양훈 교수, AI 시대에 필요한 건 흔들림 없는 기본기

Interview

생성형 AI가 애니메이션 제작 환경을 빠르게 바꾸고 있다. 그러나 좋은 애니메이션을 만드는 기준은 변함이 없다. 무엇이 살아있는 움직임인지, 어떤 포즈가 감정을 전달하는지, 어떤 타이밍이 관객의 마음을 움직이는지는 여전히 창작자의 안목과 기본기에서 결정된다. 《AI × 애니메이션 액팅 드로잉 테크닉》은 애니메이션의 본질을 다시 짚는 책이다. 저자인 차양훈 예원예술대 디지털콘텐츠학부 애니메이션 & 웹툰전공 교수는 "사람을 감동하게 하는 힘이 언제나 움직임 속에 담긴 감정과 생명감에서 비롯된다는 사실은 변하지 않았다"고 말한다.

 

책을 쓴 계기가 있었는지?

40여 년간 애니메이션 제작 현장과 교육 현장을 함께 경험하면서 느낀 게 있다. 기술은 계속 바뀌지만, 좋은 애니메이션을 만드는 핵심은 쉽게 바뀌지 않는다는 것이다. 셀애니메이션에서 디지털로, 다시 생성형 AI 시대로 넘어오면서 작업 방식은 크게 달라졌지만, 결국 관객의 마음을 움직이는 건 캐릭터의 감정과 생명감, 그리고 설득력 있는 액팅이다. 그 본질을 다시 짚고 싶어 책을 썼다. 학생들과 젊은 창작자들이 기술 변화에만 시선을 빼앗기지 않고 애니메이션의 기본 원리와 액팅드로잉의 중요성을 분명히 이해할 수 있게 돕고 싶었다.

책을 통해 전하고 싶었던 핵심 가치는?

지금은 AI를 빼고 애니메이션의 미래를 이야기하기 어렵다. 오히려 그럴수록 액팅드로잉이라는 본질적인 영역을 더 강하게 말해야 한다고 생각했다. AI는 이미지를 만들고, 움직임을 보조하고, 제작 공정을 효율화할 수 있다. 그러나 캐릭터가 왜 그렇게 움직여야 하는지, 그 장면에서 어떤 감정을 전달해야 하는지까지 대신 결정해주지는 못한다. 그래서 책 제목에 두 가지를 함께 담았다. 하나는 시대적 변화로서의 AI이고, 다른 하나는 시대가 변해도 대체되지 않는 핵심 역량으로서의 액팅드로잉이다. 결국 중요한 건 기술을 통해 무엇을 표현하느냐다.
 

AI가 잘하는 것과 바꾸지 못하는 것은 뭘까?

AI는 반복 작업을 줄이고 시각적 변형과 탐색의 속도를 높인다. 제작 과정의 초안을 빠르게 제시하는 데 강점이 있다. 스타일 실험이나 아이디어 확장, 보조적인 움직임 생성 등에서는 앞으로도 더 큰 역할을 하게 될 것이다. 하지만 AI가 끝내 바꾸지 못하는 건 창작자의 해석이다. 같은 걷기 동작이라도 어떤 캐릭터는 가볍고, 어떤 캐릭터는 지쳐 보이고, 어떤 캐릭터는 불안하게 느껴진다. 그 차이는 단순한 형태가 아니라 인물의 내면과 상황에 대한 해석에서 나온다. 그 해석의 힘이야말로 앞으로도 인간 창작자의 가장 중요한 역할이다.

잘 그린 그림과 살아있는 그림은 무엇이 다른가?

잘 그린 그림은 정확한 형태를 사진처럼 묘사한 것이고, 살아있는 그림은 의도와 시간이 흐르는 이야기라고 생각한다. 다시 말하면, 잘 그렸다는 건 형태(Form)에 대한 평가이고, 살아있다는 건 생명(Life)에 대한 평가다. 많은 분이 멋진 자세가 곧 좋은 연기라고 생각하는데 사실 둘은 전혀 다른 차원의 이야기다. 자세, 즉 포즈는 캐릭터의 모양을 찍은 사진 같은 것이고 액팅은 왜 그런 자세를 취했는지를 보여주는 영화와 같다. 결국 살아있는 그림의 비밀은 이런 질문에 답할 수 있느냐에 달려있다. 이 캐릭터는 지금 무엇을 느끼고, 무엇을 원하는가? 그 답이 그림 안에 읽히면 살아있는 것이고, 그렇지 않으면 그저 잘 그렸을 뿐이라고 생각한다.
 

디즈니 12원칙 중에서 꼭 기억해야 할 원칙을 꼽는다면?

12개 모두 중요하지만, 그중에서 대표적인 3개를 꼽고 싶다. 우선 준비 동작(Anticipation)이다. 모든 살아있는 동작에는 준비와 실행 두 박자가 있다. 공을 던지기 전에 팔이 뒤로 물러나거나 점프하기 전에 무릎을 살짝 굽히는 것처럼 말이다. 이런 준비 동작이 빠지면 동작은 정확하지만 예고 없이 폭발하는 폭탄처럼 보인다. 관객은 캐릭터의 의도를 읽을 시간이 없고, 캐릭터는 생동감을 잃는다. 또 한 가지, 무대 연출(Staging)은 관객이 매 순간 알아야 할 것을 단 한 컷에 담는 기술이다. 캐릭터의 의도·감정·행동을 가장 명확하게 보이도록 카메라 앵글, 포즈, 조명, 얼굴 방향 등을 설계하는 원칙이다. 디즈니에서는 이를 '캐릭터의 이야기를 한 컷에 다 담는 법'이라고 정의한다. 좋은 무대 연출은 자세한 설명 없이 캐릭터의 상황을 관객에게 전달한다. 마지막으로는 과장(Exaggeration)이다. 사실적 묘사를 넘어 캐릭터의 의도·감정을 관객이 한눈에 읽을 수 있도록 의도적으로 과장하는 원칙이다. 단순히 크게 그리는 것이 아니라 감정의 핵심 방향을 강화하는 장치다.

좋은 애니메이션이란 뭘까?

좋은 애니메이션을 한 문장으로 정의하면 이렇다. '포즈는 몸이 만들고, 액팅은 마음이 만든다.' 관객이 매 순간 캐릭터의 의도·감정·생각을 읽어낼 수 있는, 그래서 캐릭터가 화면 안에 진짜 살아있다고 느끼게 만드는 작품이라고 생각한다. 좋은 애니메이션과 그렇지 않은 애니메이션을 구분하는 지점은 캐릭터의 내면이 화면 밖으로 새어나오는가에 있다. 앞서 말한 준비동작, 무대연출, 과장은 캐릭터의 마음 상태를 관객이 읽을 수 있도록 설계하는 도구다. 이 셋 중 하나라도 빠지면 캐릭터는 생각 없이 움직이는 사람처럼 보인다. 정지 화면에서도 캐릭터의 생각이 흐르고 있는가, 멈춰있는가가 좋은 애니메이션을 가늠하는 기준이다. 캐릭터가 멈춰있어도 생각이 흐르면 살아있고, 움직여도 생각이 비어있으면 죽어있는 것이다. AI 시대일수록 인간이 직접 판단하고 결정해야 할 이 세 가지가 모두 갖춰질 때 비로소 좋은 애니메이션이 완성된다고 믿는다.

 

 

 

아이러브캐릭터 / 장진구 기자 master@ilovecharacter.com 

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